Um dos destaques de True Romance, disco cheio de pequenas pérolas lançado há pouco pela inglesa Charli XCX, é, sem dúvida, “Take My Hand”, uma injeção dançante de pop bem construído. Atenta a esse potencial, a cantora resolveu lançar a faixa como seu novo single, com clipe e tudo.

O vídeo, recém-divulgado, mostra a canção em seu ambiente óbvio: a pista de dança. Mas até chegar nela, Charli passa por cômodos esfumaçados e com pessoas estranhas. Mas no fim, dá tudo certo. A direção é de Ryan Andrews e a produção, da grife Urban Outfitters.

Capa do disco Edward Sharpe And The Magnetic Zeros

No fim de julho, mais especificamente no dia 23, a banda indie-hipponga Edward Sharpe And The Magnetic Zeros irá jogar na praça seu terceiro álbum de estúdio, praticamente um ano depois de ter lançado o disco Here.

Autointitulado, o novo trabalho do gigante grupo liderado por Alex Ebert chegará com 12 faixas inéditas. E a primeira delas que você pode escutar é “Better Days”, canção de abertura do LP:

Algo me diz que a banda seria uma aquisição interessante para o Planeta Terra Festival deste ano, não? O que acham?

No Parc Del Fórum de Barcelona, a partir de hoje, rola o Primavera Sound, um dos festivais europeus mais bacanas e abrangentes dos tempos atuais. Do indie pop novato do Peace ao rock cabeçudo e “difícil” do Swans, do folk fofo de Adam Green e Binki Shapiro ao hip hop “classic” do Wu-Tang Clan, do minimalismo de James Blake à barulheira noventista do Jesus And Mary Chain. Tem pra todo mundo no Primavera Sound – inclusive pra quem ficou em casa.

Do conforto do seu sofá ou cama, vai dá pra acompanhar, a partir de agora até o fim da noite de sábado, alguns desses shows citados, e muitos outros. No player abaixo, dá pra sacar o streaming em tempo real da farra espanhola. Logo abaixo, você vê a programação completa da transmissão ao longo do fim de semana, já com horários brasileiros, cortesia da Popload.

Quinta, 23 de maio
12:40 El Inquilino Comunista
13:25 Wild Nothing
14:20 Delorean (gravado)
15:30 Tame Impala
16:45 Dinosaur Jr.
17:55 The Postal Service
18:15 Grizzly Bear
19:40 Phoenix
22:10 Animal Collective

Sexta, 24 de maio
12:50 Pony Bravo
13:40 Nick Waterhouse
14:30 Peace
15:30 The Bots (gravado)
16:35 Manel (gravado)
17:45 The Jesus and Mary Chain
19:15 James Blake
20:20 Swans

Sábado, 25 de maio
12:00 Guadalupe Plata
12:50 Extraperlo
13:35 Adam Green and Binki Shapiro
15:00 Poolside (gravado)
16:00 Dead Can Dance
17:20 Wu-Tang Clan
18:45 Orchestre Poly Rythmo De Cotonou (gravado)
20:05 Los Planetas
21:30 Simian Mobile Disco (gravado)
22:50 Hot Chip

Nem ser um dos mais competentes compositores de sua geração (e da atualidade) foi o suficiente para Brendan Benson encher o Cine Joia na noite de ontem (22). Não foi o bastante pra encher, nem pra rechear bem. Com bastante conforto para o público, o músico subia ao palco com toda sua experiência de cinco discos solos, mais a referência para alguns do público ali por ser um dos líderes do Raconteurs ao lado de Jack White, e com uma série de boas canções power pop para apresentar à plateia.

Com simpatia e execuções perfeitas e empolgantes, Benson só cometeu um grande pecado com os presentes: o setlist muito curto. Quase comprometendo o resultado da noite, as somente 12 músicas tocadas não foram suficientes nem para completar uma hora de show. Ficou óbvio que o músico só preparou um setlist fechado para tocar na Virada Cultural Paulista (nesse fim de semana em Presidente Prudente e Marília). O evento só permite uma hora de show para cada atração e foi pra isso que o americano veio ao país com sua banda de apoio. Porém, para a noite do Cine Joia, com seu público pagante (ou não) que esperava um show completo, isso foi decepcionante, já que deixou grande parte dos seus hits esperados de fora.

Porém, o que foi curto, foi ótimo. Com apenas uma formação de banda de rock básico (guitarra, teclado, baixo e bateria), Benson fez muito com pouco e mostrou por que bons refrões, melodias empolgantes e arranjos diretos são coisas sem prazo de validade. Quando se faz boa canção, a reação é inevitável: os fãs puderam se divertir e se emocionar com “Good to me”, “Cold Hands Warm Heart”, “Whole lot Better”, “Tiny Spark”, entre outras.

Basear maior parte de seu setlist em canções do disco novo foi a forma do músico mostrar que sempre está “na sua melhor forma”. Outra estratégia foi inserir “Steady as She Goes” em seu repertório, juntamente com “Hands”, que já se fazia presente em seu repertório – ambas do Raconteurs, onde ele é o integrante favorito de algumas garotas empolgadas que estavam ali em frente ao palco e mostraram a plaquinha “Amamos você mais do que Jack White”, tirando uma risada do músico e comentários sobre essa “disputa” de atenções.

Se saí do show com a sensação de que aquilo deveria ter sido mais longo (até por uma consideração com o público mesmo), saí também impressionado com o talento de Brendan Benson para criar canções tão bonitas quanto divertidas. Era algo que esperava poder assistir ao vivo ao lado dos amigos, gritando refrões e me empolgando com todos os momentos. Isso funcionou. Então agora resta esperar que essa falha de fazer algo tão curtinho seja o anúncio de uma volta do cantor ao Brasil em breve, durante a qual ele possa fazer tudo aquilo que deixou de fazer – e repetir tudo que soube fazer de bom.

Coachella e Outside Lands, nos Estados Unidos, Open’er Festival, na Polônia, Benicàssim e Primavera Sound, na Espanha, entre outros. Se você é da turma dos festivais, você é dos nossos. Assim como a Heineken, que abastece todas essas festas musicais e outras 100 ao redor do globo – incluindo o nosso querido Lollapalooza.

E querendo reviver a experiência entre goles e acordes que passamos no fim do último mês de março, a Heineken soltou o vídeo em que todos os presentes estenderam os pulsos e celebraram o momento com as pulseirinhas brilhantes no ar. Não sei se todos se lembram, mas foi logo antes de Dan Auerbach e Patrick Carney subirem ao palco com seu Black Keys, um dos grandes shows do Lolla.

Abaixo, você vê o vídeo oficial do Heineken Moment. Logo em seguida, uma dica: marque na agenda a data do próximo Lollapalooza Brasil, que será entre os dias 18 e 20 de abril de 2014. Nos vemos lá.

O novo clipe do ruído/mm é uma verdadeira obra-prima digital. Sem contar a música, que é uma verdadeira viagem. Em “Petit Pavé”, a banda faz uso de uma técnica até então pouco explorada pelo universo videoclíptico musical: a captação de imagens via kinect. Isso mesmo, videogame. A performance de uma dançarina foi manipulada através de um ambiente tridimensional que tornou praticamente impossível sua identificação. Coisas da tecnologia. A direção é assinada por Fábio Allon. A produção modernosa ficou dividida entre Verdura Produções e Processo MultiArtes. Vamos ao vídeo:

Morrissey lançou seu primeiro álbum solo em 1988, mas ainda é (e talvez sempre seja) lembrado como vocalista do antigo The Smiths. E isso não é nenhum exagero. O grupo é uma das principais referências do rock inglês oitentista, influenciando toda uma geração que ressuscitaria o Britpop no início dos anos 1990. LPs clássicos como The Smiths e The Queen Is Dead sempre são mencionados em listas de melhores álbuns de todos os tempos. Mas vamos ao que interessa. Para homenagear o cantor, separamos 8 canções consagradas pela sua voz.

Suedehead, por Raul Ramone

Por mais que o nome “Suedehead” tenha sido saído de um romance escrito por Richard Allen, a letra segue outro caminho. No livro, Allen fala sobre gangues de skinheads. Na canção, Morrissey descreve algum fato obscuro de sua vida que aconteceu em 1972. De qualquer maneira, foi o primeiro lançamento solo do cantor após o fim dos Smiths, chegando a figurar no Top 10 de singles britânicos na época (1988). Um belo recomeço.

Something Is Squeezing My Skull, por Gregório Fonseca

Sou fã tardio dos Smiths. Minha primeira lembrança de verdade da banda é de quando o t.A.T.u. gravou “How Soon Is Now?”, o que despertou meu interesse pelos britânicos. Acompanhei de longe a carreira de Morrissey até 2009 (ano de lançamento de Years of Refusal), quando parei para ouvi-lo novamente – mais atento dessa vez. A primeira faixa, “Something Is Squeezing My Skull” foi o suficiente para que de imediato eu me apaixonasse pelas músicas do cantor e me aprofundasse mais na carreira dele e dos Smiths.

Morrissey ainda é um dos tios do rock cuja performance ao vivo vale a pena ser vista, e que ainda compõe e grava material relevante para o rock. Mesmo conhecendo toda a discografia do cantor, Years of Refusal, de 2009, permanece como o meu favorito.

I Know It’s Over, por Raul Ramone

A verdade é que conheci “I Know It’s Over” através de Jeff Buckley, outro fã declarado de Smiths. A versão original, lançada no álbum The Queen Is Dead, foi escrita em um dia chuvoso e escuro, com pouca luz natural, na hora do tradicional chá inglês. “Era muito bonita e refletia como eu me sentia em grande parte da minha vida, especialmente naquele período. Mas eu não via desânimo nisso, há uma aceitação da melancolia ser uma parte da vida, por isso eu não acho que ela seja deprimente”, declarou Johnny Marr.

Interpretada sob o ponto de vista de um homem solitário, refletindo sobre sua vida que estava sendo desperdiçada, a música possui outro mérito lembrado por Marr: o melhor take já gravado pelo vocalista dos Smiths (“os vocais de Morrissey em ‘I Know It’s Over’… Eu nunca vou esquecer quando ele fez aquilo. É um dos pontos altos da minha vida. Foi tão bom, tão forte”).

Morrissey e Johnny Marr costumavam compor juntos, ao mesmo tempo. Enquanto Johnny tocava violão e passava os acordes para o gravador portátil, Morrissey escrevia as letras. Foi desse jeito que, durante alguma tarde do final do verão de 1985, nasceram “Frankly, Mr Shankly”, “There Is a Light That Never Goes Out” e “I Know It’s Over”.

There Is A Light That Never Goes Out, por Neto Rodrigues

Mais que um dos hits de rock mais massivos dos anos 80, é a música dos Smiths que agrada até quem não conhece ou não gosta da banda. É a música que clama por uma saída noturna sem rumo, sem hora pra voltar, sem gente careta e chata no caminho. É a música que faz você comprar um capotraste pra colocar na guitarra, depois de ter enchido o saco de tocar os clássicos do The Cure. É a música da balada, ou dos momentos introspectivos. De ambos, por que não? É a música que te faz esperar quase quatro minutos até mostrar seu nome – que fica ecoando na cabeça ad infinitum. É a música que faz ficar tudo bem caso ela seja a trilha de um encontro fatal com ônibus de dois andares ou caminhões de dez toneladas. Que o grande Mozz nunca precise encarar esse ‘jeito divino de morrer’.”

Panic, por Débora Cassolatto

Eu, como qualquer DJ, sempre me sinto muito ameaçada no refrão.

Heaven Knows I’m Miserable Now, por Raul Ramone

A letra faz referência ao imperador romano Calígula, famoso por escândalos sexuais que envolviam relações até com as próprias irmãs. Já o título da música faz uma homenagem a “Heaven Knows I’m Missing Him Now”, de Sandie Shaw (os integrantes dos Smiths eram fãs da cantora, que chegou a interpretar uma das músicas da banda, “Hand in Glove”). Curiosidade: apesar do sucesso, a canção nunca fez parte da discografia oficial do grupo, sendo lançada apenas como single.

Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me, por Raul Ramone

O trecho inicial da música em sua versão original é um dos momentos mais épicos da cultura pop, com dois minutos de piano e gritos. Em março de 1984, os mineiros ingleses deram início a uma greve histórica que durou um ano. O alvo eram as reformas neo-liberais lideradas por Margareth Thatcher, que praticamente extinguiu os sindicatos do país. Os tais gritos são dos mineiros, que acabaram perdendo a luta contra a Dama de Ferro. De lá pra cá, o movimento sindical inglês – até então considerado um dos mais fortes do mundo – nunca mais foi o mesmo.

Black Cloud, por Raul Ramone

Outro ponto alto do álbum Years of Refusal, lançado em 2009. A guitarra de “Black Cloud” foi gravada por Jeff Beck, que explicou à Mojo Magazine como sua participação se tornou possível: “O boato era que Morrissey só conversava com vegertarianos. Bem, eu mesmo tenho sido vegetariano há muito mais tempo do que o próprio Morrissey. Chrissie Hynde foi a catalisadora entre nós. Eu o conheci no bar Sunset Marquis, durante a hora do coquetel. Os dois [Morrissey e Chrissie Hynd] não pareciam muito contentes. Chrissie virou para mim e disse ‘Ele é tímido demais para dizer isso, mas ele gostaria que você tocasse em uma faixa de seu álbum’. No dia seguinte, encontrei um CD com um recado de Morrissey que dizia: “Foi muito legal te conhecer, você gostaria de tocar nesta canção?” Nos encontramos algumas horas depois. Ele foi encantador [ao dizer]: ‘eu nunca pensei que ele poderia me dar a luz do dia’.” (tradução: Bia Bem)

“Nós não estamos tentando fazer música house para gente que gosta de rock – isso é besteira”, disse o Daft Punk para a NME em 1997, em uma fase pré-capacetes. Engraçado, porque foi justamente isso que eles fizeram. Desde que as caveirinhas começaram a dançar no clipe de “Around The World“, o Daft Punk é uma banda de comunhão, o ponto de convergência entre quem gosta de guitarras e quem gosta de pickups. Não que os franceses sejam os únicos, mas, de 1997 para cá (ou seja, para a nossa geração), são os principais.

Outra coisa que o Daft Punk negava era o “star system”, a mania de bajular os artistas em vez de suas músicas. Os capacetes eram para protegê-los disso. Mas essa história também foi meio deixada para trás, escondida pelos anúncios para Gap e Sony, pela trilha-sonora para filme da Disney, pelas roupas da Saint Laurent e, neste Random Access Memories, por uma das campanhas de marketing mais massivas da música contemporânea.

Não é que o Daft Punk tenha traído a si mesmo, não. É que tudo isso serve para mostrar que o compromisso maior da dupla sempre foi mesmo com sua música, e não com algum tipo de ethos. Eles não se comprometeram com a indústria: além de não produzirem com frequência (quatro álbuns em 16 anos) e nem de fazerem muitas turnês (a última foi em 2007), Thomas Bangalter e Guy-Manuel de Homem-Christo também tiveram a ousadia de fazer um álbum de rock retrô (Human After All, 2005) enquanto seus antigos singles ainda infestavam as pistas de dança e toda a música pop os copiava, de Madonna a Justice.

Ninguém lembra hoje, mas Human After All foi mal recebido em 2005 (a nota no Metacritic é 57, repare). Acusaram-no de ser muito repetitivo, de carecer das melodias inspiradas de Discovery.  As resenhas, quando muito, eram complacentes. O fato de que o anúncio de Random Access Memories foi recebido como a segunda vinda de Cristo mostra como uma omissão pode ser importante para uma banda. Ninguém nem lembrava de ter falado mal de Human After All.

E o interessante é que RAM é uma sequência direta. Se, em HFA, o Daft Punk estava olhando para Black Sabbath, Deep Purple e krautrock, agora o foco são Bee Gees, Abba, Michael Jackson, Earth Wind And Fire e similares. Pulamos do rock para a disco, mas as referências ainda são todas dos anos 70 e 80. Para uma dupla de robôs, é curioso notar como o Daft Punk olha cada vez mais para o passado.

Não à toa, o álbum sempre soa familiar, como aqueles infomerciais de coletâneas da Som Livre. Dê uma passada no last.fm e você verá o pessoal caçando referências que vão de Wham! a Super Mario Galaxy.

RAM tem seu eixo em “Touch”, um épico de oito minutos em colaboração com o compositor Paul Williams, responsável por algumas pérolas dos Carpenters. A música é feita em camadas: começa com um texto teatral, vira um funk com trompetes, depois uma balada e, enfim, uma música de coral. A estranheza e a inconstância não incomodam porque as partes são excelentes sozinhas. Coladas, viram um experimento. E tudo faz mais sentido levando em conta a letra existencialista. “I need something more”, pede Williams, enquanto viaja pelos diferentes sons à procura. Fica a nosso critério saber se ele acha.

“Give Life Back to Music”, com sua intro rock ‘n’ roll seguida pelo seu groove suave, é um aceno aos irmãos Gibb e uma forma certeira de começar o álbum. Faz bom par com “Get Lucky”, o primeiro single, basicamente um loop repetitivo de guitarra que serve de embalagem para a voz agradável de Pharrell. Não fosse o próprio Daft Punk surgir lá pelos 3:30 com seus vocoders inconfundíveis (a melhor parte da faixa), a música poderia entrar em qualquer álbum que Nile Rodgers produziu nos anos 80.

A viciante “Instant Crush”, com vocais de Julian Casablancas, é melhor que todo o último disco dos Strokes. O estilo chorado de Julian, retocado na medida com o vocoder, cai como uma luva sobre a linha de baixo hipnotizante dos versos e os teclados new wave do refrão. Julian poderia dar uma personalidade a mais a “Fragments Of Time” se a faixa fosse mais acelerada. Do jeito que está, lentinha e com Todd Edwards, soa até agradável e tem synths interessantes, embora não tenha sido feita para estourar. Mas é um desperdício: a parceria com Edwards rendeu muito mais em Discovery.

“Giorgio by Moroder” tem o produtor falando por dois minutos antes de virar uma espécie de cruzamento entre todos os trabalhos anteriores do Daft Punk: estão lá o baixo alquebrado de Homework, a repetição de escalas de Discovery e as guitarras de Human After All. Tudo é amarrado de forma arejada, com espaço para solos de piano e baixo e, mesmo assim, o crescendo da música não perde efeito. Trabalho de maestro.

“Contact”, que encerra o álbum e é uma das melhores, segue a mesma linha, mas é bem menos suave. Começa com vozes de astronautas, passando para um riff de sintetizadores que vai casando com órgãos de igreja, solos de bateria, ruído branco, etc., sempre ficando mais urgente. É a trilha-sonora de um ônibus espacial levantando voo.

O álbum também tem seus maus momentos. “Motherboard”, que patina entre música de elevador e trilha-da-fase-da-água de videogame, tem um break pouco inspirado e mata o clima devido à sua longa duração. “The Game of Love” e “Within” se arrastam. E a minimalista “Doin’ It Right”, apesar de ser a melhor coisa já parida por um membro do Animal Collective, soa indie demais para um álbum que faz tanta questão de ser pop. Os vocais me deram saudade do Moroder falando.

Daqui a alguns anos, o Daft Punk vai sair de novo da toca para fazer mais um disco. Independentemente do que for, vai ser exatamente o que nós precisamos, porque o Daft  Punk ainda é a banda que une os roqueiros e os eletrônicos, os indies e os pops, os hipsters e os executivos. Pode ser que, na próxima vez, eles resolvam emular o Pink Floyd, os Beatles ou o Elvis. Afinal, o Daft Punk é uma banda que sempre faz questão de estar um passo atrás. O que importa é que nós continuamos querendo segui-los.

Ah, essa Zooey. Sempre arrancando suspiros por onde passa. Ainda mais com dancinhas fofas e cuidadosamente meio desengonçadas. Em divulgação de seu Volume 3, o She & Him lançou esta semana o clipe do single “I Could’ve Been Your Girl”. E enquanto um galante M. Ward toma café, lê o jornal e ignora sua admiradora nada secreta, Deschanel faz passinhos e biquinhos com uma turma de trajes coloridos.

O vídeo tem direção assinada pela própria cantora:

O Cold Cave disponibilizou seu novo single para audição completa. Além de “Black Boots”, que ouviremos por aqui, “Meaningful Life” também será lançada em Vinil 7″ pela Eisold’s Heartworm Records no mês de junho – mas claro que o compacto já está disponível em formato digital no site oficial da gravadora.

Parece o Depeche Mode, mas na verdade é a nova música do Cold Cave. Aumenta aí:

Em uma das performances mais recentes divulgadas pela rádio americana KEXP, o protagonista é James Blake, jovem inglês dono de voz e batidas geladas e atmosfera minimalista, espalhada em seus dois álbuns já lançados. O mais recente, Overgrown, é do começo de abril e é fonte principal da session em questão.

Durante pouco mais de 26 minutos, Blake mostra quatro de suas canções ao vivo, acompanhado de uma dupla de músicos que o auxiliam na construção de melodias frágeis e instigantes.

Na sequência, você encontra a pequena apresentação, que contou com o setlist formado por “Overgrown”, “To The Last”, “The Wilhelm Scream” e “Retrograde”:

A música mais conhecida dos Talking Heads acaba de ter uma nova versão descoberta. Lançada em 1977 no primeiro álbum (autointitulado) do grupo, “Psycho Killer” ressurgiu através de uma gravação que traz Arthur Russell tocando violoncelo, além de algumas alterações na letra. A novidade foi divulgada em uma exposição na cidade de Detroit e deve fazer parte de um futuro novo álbum póstumo de Russell, com mais material inédito do compositor.

Enquanto isso, vamos de “Psycho Killer”, com violoncelo.

E as duas versões que já conhecemos, mas nunca é demais relembrar:

Fonte: Dazed Digital

O lançamento oficial de Random Access Memories, o novo álbum do Daft Punk, pegou todos de surpresa na tarde de hoje. A edição japonesa do disquinho revelou uma faixa bônus até então desconhecida pela blogosfera.

Não é difícil de entender por que o duo francês reservou “Horizon” para a ocasião, afinal a faixa simplesmente foge de todo o clima disco presente em RAM. Nós aprovamos.

Quase um ano atrás, a banda capixaba Zemaria lançou seu EP mais recente, que sucedeu a estreia em disco completo da banda, lá em 2009, com o dançante The Space Ahead.

E agora, quatro anos após a estreia, a turma do Espírito Santo lança o segundo capítulo em sua carreira de electro rock suingado. Great Escape chega com uma dezena de temas inéditos – ou quase, já que na tracklist podemos ver a ótima “Instant Lover”, divulgada ao longo do ano passado. O disco foi disponibilizado para streaming e pode ser apreciado a partir de agora na sequência, via Deezer (tem também no iTunes):

Abaixo, você pode assistir ao divertido e colorido clipe de “Instant Lover”:

Josh Homme estampa a capa da nova edição da New Musical Express, ou simplesmente NME Magazine. Além do líder do Queens of the Stone Age, que fala sobre o retorno da banda ao mundo das canções inéditas, a publicação traz um guia com os melhores festivais de 2013 e matérias com Grimes, Laura Marling, Franz Ferdinand e seu novo álbum Right Thoughts, Right Words, Right Action, Thurston Moore e seus inúmeros projetos musicais, Alt-J, Savages, ATP, Carl Barat e várias outras coisas legais.

A versão digital da revista pode ser adquirida aqui. O impresso estará disponível nas bancas de jornais da sua cidade a partir dessa semana. Fica a dica.

Ao receber “Pink Rabbits”, Matt Beringer, o vocalista do The National, tinha uma nova obsessão. Deixou de lado a porção de outras músicas para as quais estava escrevendo as letras e se focou nela. Ao todo, foram nove versões diferentes escritas. Uma delas foi a que entrou como a décima-segunda faixa de Trouble Will Find Me, sexto disco da banda. Em entrevista ao The Guardian, Beringer disse que entre as outras versões, em três delas ele cantaria sobre a morte, “mas de um forma engraçada”. Entre as bandas contemporâneas, o The National deve ser uma das poucas que se atreve a cantar um assunto tão pesado sem usar uma estética pesada na sonoridade. Mas é, provavelmente, a única que acha ser possível falar sobre esse tema de forma engraçada.

Trouble Will Find Me chega três anos após o último trabalho, High Violet. O The National não é exatamente novo — nem são seus integrantes. Sempre vestidos de forma elegante, camisas e ternos bem caprichados, eles passam um ar sério e sóbrio. Muito diferente deste clima é a música, cheia de devaneios, perturbações e paranoias em suas letras. Sempre foi assim. Mesmo quando o grupo tinha um sonoridade completamente diferente do que ouvimos nos últimos álbuns, que tem como marco Boxer, de 2007, as letras perturbadoras já estavam lá. O disco de estreia, também chamado The National, já mostrava a bela melancolia característica da banda. Beringer já cantava, em “Theory of Crows”, que “If I forget you, I’ll have nobody left to forget” (Se eu te esquecer, não sobrará mais ninguém para esquecer). E Trouble Will Find Me não vem livre desses sentimentos. Um dos versos que mais incomodam vem em “Don’t Swallow The Cap”: “I have only two emotions, careful fear or dead devotion” (Eu tenho apenas duas emoções, medo cuidadoso ou devoção mórbida).

É difícil falar sobre qualquer evolução ou amadurecimento desde o lançamento de Boxer, há seis anos. Lá, a banda havia alcançado seu máximo. Parecia impossível superar o trabalho que havia sido feito ali - e, de fato, eles ainda não foram capazes disso. O que fizeram, no entanto, talvez seja ainda mais impressionante: mantiveram o altíssimo nível. High Violet trazia a mesma capacidade musical e de letras. Por mais que o perfil do álbum estivesse um pouco diferente, ainda era o mesmo ápice de Boxer. Com Trouble Will Find Me, temos o mesmo cenário repetido. Enquanto Boxer trazia um uso grande de pianos e violinos, por exemplo, High Violet abusava dos instrumentos de sopro. Trouble Will Find Me é uma mescla dos dois esforços anteriores. Em alguns momentos ele se aproxima bastante de Boxer, como com “Graceless”, que tem uma bateria bem parecida com “Apartment Story”. Em outros, a proximidade fica com High Violet. “Heavenfaced” soa muito próxima do clima de “Runaway” ou “England”, do disco anterior.

Com 55 minutos, Trouble Will Find Me é o CD mais longo da banda. Isso é bem perceptível na primeira audição. Ele tem sete minutos a mais do que Aligator, que vem em segundo lugar na discografia. Não que TWFM seja enfadonho. Mas para os acostumados a ouvir LPs inteiros do National, é difícil não pensar nas últimas faixas algo como “nossa, ainda não acabou?” Nada mais apropriado para o trabalho com maior número de participações especiais até agora. Músicos como Sharon Von Etten e Nona Marie Invie (do Dark Dark Dark) fazem sua estreia ao lado do grupo americano. Outros nomes aparecem novamente. Sufjan Stevens é figura certa desde Boxer e Richard Perry, do Arcade Fire, já havia participado em High Violet.

São poucas as novidades em Trouble Will Find Me, mas a mestria alcançada há alguns anos faz com que isso não seja problema. Passeando com elegância entre as 13 canções, o The National mostra que ainda está longe de entrar na parte ruim da sua carreira — por mais que Beringer tenha questionado até quando a banda pode aguentar. Desde músicas aparentemente alegres que cantam sobre humilhação, em “Humiliation”, passando por temas tristes com letras também depressivas, como em “This Is The Last Time”, e, finalmente, falando sobre a morte e a perda em “Pink Rabbits”. O conteúdo é pesado, mas todos temos um lado masoquista dentro de nós. E sofrer com o The National é uma de nossas atividades favoritas.

Depois de encantar os brasileiros, o Alabama Shakes agora é atração do quarto volume da trilha sonora da série vampiresca True Blood. Dividindo espaço com novidades e músicas já lançadas de nomes como Warpaint, Flaming Lips, My Morning Jacket e Iggy Pop, a trupe capitaneada por Brittany Howard contribuiu com a faixa “Pocket Change”.

Exalando uma clima rural, o Alabama Shakes apresenta sua canção mais enraizada no folk-country americano, com vocais levemente abafados e andamento pontuado por linhas de teclado retrô e guitarras irresistíveis. Pegue seu chapéu de palha, um pedaço de capim para mascar e não fuja do play a seguir, cortesia da EW:

Segue a tracklist completa da trilha:

01. “Don’t Let Me Be Misunderstood” – Eric Burdon with Jenny Lewis
02. “Let’s Boot and Rally” – Iggy Pop with Bethany Cosentino
03. “What Makes A Good Man?” — The Heavy
04. “Smokestack Lightnin’” – Howlin’ Wolf
05. “Pocket Change” – Alabama Shakes
06. “Authority Song” – Bosco Delrey
07. “Turn Turn Turn” – My Morning Jacket
08. “Your Face Can Tell The Future” – The Flaming Lips
09. “The Sun” – The Naked and Famous
10. “Undertow” – Warpaint
11. “I Wanna Be Your Man” – Mobley
12. “(She’s A) Wanderer” – Deap Vally
13. “Whatever I Am, You Made Me” – Koko Taylor
14. “We’ll Meet Again” – Los Lobos

O The Black Angels esteve no talk show de Conan O’Brien da noite passada apresentando a faixa “Don’t Play With Guns”, tema do recém-lançado Indigo Meadow, um dos discos mais interessantes do ano até agora. Detalhe que a canção foi escrita poucos dias antes do Massacre de Aurora, Colorado – em que um jovem de 24 anos saiu atirando em uma sessão do filme The Dark Knight Rises – coincidência que torna o single ainda mais interessante e, hum, macabro.

Terius Youngdell Nash é famoso na cena americana de R&B pelo apelido de The-Dream, sua persona produtora de grandes hits dos últimos anos e parceira do alto escalão da música pop em língua inglesa produzida atualmente. E fazendo valer seu vasto networking, o músico reuniu uma variedade de nomes carimbados em seu novo disco de estúdio.

IV Play é o quinto trabalho de The-Dream, que será lançado oficialmente pela Def Jam na próxima semana – mas que ganhou o YouTube nesta terça-feira. O álbum é composto por 14 faixas, que contam com as participações de nomes como Beyoncé, Pusha T, Gary Clark Jr. e Jay-Z, entre outros.

Dá pra ouvir a íntegra de IV Play logo abaixo:

Dias atrás, os gaúchos do Apanhador Só lançaram o primeiro gostinho do novo álbum e prometeram o pacote completo para essa semana. E eis que hoje a promessa foi cumprida.

Depois de soltar o clipe da novidade “Despirocar”, o quarteto porto-alegresense divulgou nesta terça-feira as 12 faixas inéditas que formam o segundo trabalho cheio de sua carreira. Gravado entre as cidades de São Paulo, Porto Alegre e Gravataí, Antes Que Tu Conte Outra saiu do papel graças a uma iniciativa de crowdfunding. Já a produção variou e passou pelas mãos da própria banda, de Gustavo Lenza, Zé Nigro, Diego Poloni e Antônio de Paula Ternura.

O novo disco do Apanhador Só foi colocado no SoundCloud e dá pra ouvi-lo na íntegra a seguir. Se você preferir, também há a opção de fazer o download gratuito pelo site da banda.